Banda Sonora

El sonido antes del sonoro

La idea de combinar imágenes en movimiento con sonido grabado es casi tan antigua como el propio concepto de cine.

El cine sonoro es aquel en que la película incorpora sonido sincronizado, o sonido tecnológicamente aparejado con imagen, a diferencia del cine mudo.

El 27 de Febrero de 1888 el fotógrafo Muybridge se reunió con Edison en privado y le propuso un esquema para el cine sonoro que combinaría su proyector de imágenes zoopraxiscopio con la tecnología de sonido grabado de Edison. No se llegó a ningún acuerdo, pero durante un año Edison se encargó del desarrollo del Quinetoscopio, un sistema de “visionado rápido”, como complemento visual para su cilindro fonográfico. Los dos aparatos fueron unidos como el Quinetófono en 1895, pero el visionado individual de imágenes en movimiento en un armario pasó pronto de moda por los éxitos en la proyección de cine.

La primera exhibición pública conocida de cine sonoro proyectado ocurrió en París en 1900. En 1923 Lee de Forest presenta su invento y establece las bases del sistema que finalmente se impuso. El Phonofilm resolvía los problemas de sincronización y amplificación del sonido, porque lo grababa encima de la misma película. La primera proyección comercial de películas con sonido completamente sincronizado ocurrió en la ciudad de Nueva York en abril de 1923. En los primeros años después de la introducción del sonido, las películas que incorporaban diálogos sincronizados fueron conocidos como “películas sonoras”.
A pesar del éxito logrado con la proyección de una secuencia de The Covered Wagon, la falta de financiación conllevó la implantación del invento hasta el año 1925. Los empresarios que dominaban el sector no creyeron en él porque implicaba una fuerte inversión, ya que había que adaptar los estudios y todas las salas de proyección. En 1925, la compañía Western Electric decidió apostar por Lee de Forest y, en el año 1926, se inició la producción bajo la tutela de la Warner Brothers que pretendía superar una mala situación económica. Ese año presentaron cinco cintas en las que la imagen convivía con el sonido gracias al sistema Vitaphone de sincronización disco-imagen. El primer largometraje presentado originalmente como una película sonora fue El cantante de jazz, estrenada en octubre de 1927.

Elementos de la banda sonora

Una banda sonora, por lo general, suele tener la siguiente estructura:

  • Tema de Inicio. Suele ser el tema o canción que da comienzo a la película o serie para la que ha sido compuesta, también se le conoce como opening.
  • Música de fondo (“background music” o “BMG”, en inglés). Son el conjunto de temas que representan el grueso de la composición dentro de una banda sonora. Pueden ser instrumentales o cantados (canciones). También puede haber canciones o temas de autores diferentes al que compuso en origen la obra musical (compositor); a una canción de ese tipo se le llama canción insertada.
  • Tema Final. Suele ser el tema o canción que suena junto con los créditos finales de la película o serie para la que ha sido compuesta. también se le conoce como ending.

Del mudo al sonoro

En 1927 se produjo un punto de inflexión en la todavía joven historia del cine que cambiaría para siempre el séptimo arte: el avance tecnológico que permitía reproducir el sonido en sincronía con la imagen. Esto no significa que el cine anterior al sonoro careciese de sonido, ya que se acostumbraba a tocar música en directo o reproducir una banda de sonido previamente grabada al son de la película. Sin embargo la tecnología no había permitido todavía hablar al cine, a diferencia del teatro. El cantor de jazz fue la primera película que introdujo algunas escenas sonoras, si bien gran parte de la película era todavía muda. Sin embargo este avance tecnológico cautivó al público y logró un rotundo éxito de taquilla que supuso el comienzo de una revolución en la industria cinematográfica.

Muchos creyeron que este paso adelante tecnológico suponía un paso atrás en el lenguaje cinematográfico, y pensaron que el sonido en el cine no sería más que una moda pasajera. El tiempo demostró que se equivocaban. Y es que aún a día de hoy numerosos teóricos y estudiosos del cine hablan de los altos niveles creativos que alcanzó el lenguaje cinematográfico en su etapa muda, precisamente por la necesidad de poner en escena ideas complejas sin más ayuda que la imagen. El sonido en cierto modo facilitó la expresión del lenguaje cinematográfico añadiendo un sentido más a la percepción del espectador.

Incluso algunos directores, como Chaplin siguieron haciendo cine mudo durante años a pesar de que el sonido estuviese ya totalmente inmerso en la industria. El cantor de jazz se convirtió en seguida en un absoluto éxito que es la adaptación cinematográfica de una obra homónima de teatro musical que ya había cosechado grandes éxitos en Broadway. El protagonista de la obra, Al Jolson, lo sería también de la versión cinematográfica y fue el primer actor cuya voz, cantada y hablada, se escuchó en una sala de cine gracias al Vitaphone.

Todo el sistema de la industria hubo de transformarse para poder hacer las películas 100% habladas que el público tanto demandaba.

El star system de Hollywood, tuvo que renovarse notablemente para esta transición, ya que el tipo de representación de los personajes era radicalmente distinta a la obligada gestualidad del cine mudo. El cine abrió las puertas así a muchos actores de teatro y algunos tuvieron que tomar clases de declamación dicción y también de canto y baile.

Nació un nuevo género cinematográfico, el musical, que era impensable en el cine mudo. El musical ya había nacido antes como género teatral, pero se convirtió en uno de los géneros más demandados por el público, por la fantasía y evasión que proporcionaba.

Los rodajes tuvieron que adaptarse a las necesidades que imponía el registro del sonido. Las primeras tecnologías requerían de estatismo,de un entorno perfectamente controlado por lo que la libertad creativa de los autores quedaba muy encorsetada. Esto limitaba los rodajes al interior de los estudios además de otras condiciones para que el sonido se grabase correctamente. Los medios de registro del sonido mejoraron y evolucionaron y pronto las posibilidades de rodaje volvieron a ampliarse. Evidentemente todo esto suponía también un cambio en las infraestructuras de los estudios, que tuvieron que invertir en esta nueva tecnología e incorporar nuevos profesionales capaces de llevar a cabo esta nueva faceta dentro del rodaje de las películas.

La fase de distribución también sufrió cambios. Con el sonido y los diálogos de los actores surgió un problema, la comprensión del idioma. Una distribución internacional suponía que las películas de los grandes estudios solamente podían exhibirse tal cual para el público anglófono, por lo que volvía obligatoria una adaptación lingüística si no se querían poder otros mercados. Esto conllevo a que se rodasen películas en diversos idiomas y el encarecimiento de estas. Por ello se buscaron otro tipo de soluciones como el doblaje o el subtitulado.

La industria cinematográfica tuvo que realizar un gran esfuerzo para cambiar todo su funcionamiento y renovarse para dar paso al cine sonoro. Cantando bajo la lluvia (1952), la comedia musical de Gene Nelly y Stanley Donen, se centra en este momento de transición a través de un actor, un estudio y una película en crisis por la llegada del sonido y cómo tienen renovarse para seguir en la rueda de la industria.

La música de cine a partir de la década de los 30                          

Décadas Música
Años 30 Se caracterizarían por una mayor profesionalización de la música de cine. La música sufría un cambio, pasando de un acompañamiento constante a un empleo más selectivo para subrayar ciertos momentos. Steiner demostró lo que se podía llegar a hacer con una partitura original totalmente sincronizada con las imágenes en King Kong 
Años 40 Los compositores que empezaron a crear música para películas procedían de distintas áreas de la composición musical. De Broadway, salas de conciertos y la radio, etc… The Ghost and Mrs. Muir
Años 50 Suponen el dominio absoluto de Alfred Newman. Surgieron otros importantes autores, algunos de ellos procedentes de la llamada música ligera y del jazz. La televisión empezó a ser considerada una amenaza para la industria cinematográfica.Comenzó a ser más aceptado por lo que se escribieron temas más vendibles y comerciales y a editarse en discos. , la canción «Moon River», de Johnny Mercer y Henry Mancini para Desayuno con Diamantes.
Años 60 Época de la renovación con nuevas figuras internacionalmente reconocidas pero sin olvidar a las viejas figuras. Se renovó la música del western, acaparando una atención que, hasta el momento, tenía Tiomkin. 
Años 70 Es ésta una época de crisis que sólo es resuelta con la llegada de John Williams y sus revolucionarias orquestaciones. Se obvia bastante lo que es una banda sonora instrumental, y ello a favor de múltiples canciones que colapsan una música que muchos no creen necesaria, ya que venden más los intérpretes populares con canciones que nada tienen que ver con la película, que los compositores consagrados. 
Años 80 Llega la revolución con el empleo masivo del sintetizador.La música de orquesta continuó en alza pero con la aparición de nuevas figuras como James Horner.
Años 90 Se produce una recuperación de las canciones no compuestas exclusivamente para una película. El punto de partida para algunos lo pone Prince con Batman. No obstante, la música original compuesta para una película no decae sino que se utilizan los sintetizadores, un ejemplo son las piezas de Mark Mancina. Cuatro Bodas y un Funeral.

Algunos nombres en la música de cine

Los Españoles:

José Nieto, músico y compositor español (Madrid, 1942). En 1958 comenzó tocando la batería en un grupo musical. Ya en 1962 comienza su carrera profesional en conjuntos de jazz y otras orquestas. Realizó arreglos musicales para distintos cantantes y se inició en la composición. En 1970 debuta en el cine componiendo la música de la película La Lola, dicen que no duerme sola de Jaime de Armiñán, iniciando así su carrera fílmica. En 1987 participa en el largometraje de El Lute: camina o revienta de Vicente Aranda, con quien seguiría colaborando en varias películas. Ha sido galardonado con numerosos Premios Goya.

Alberto Iglesias Fernández-Berridi (San Sebastián, 1955) es un compositor español. Ha escrito la música para diversas películas de cine españolas y extranjeras, muchas de ellas dirigidas por el cineasta Pedro Almodóvar. Fue nominado para el premio Óscar por su trabajo en la película El jardinero fiel, y por su trabajo en la película Cometas en el cielo . Ha ganado además muchos otros premios y reconocimientos nacionales e internacionales.

Los Extranjeros:

Ennio Morricone (Roma, Italia, 10 de noviembre de 1928), es un compositor italiano de música de cine y bandas sonoras. Estudió en el Conservatorio Santa Cecilia de Roma, donde estudió trompeta y composición .Ha sido muy criticado por unos y muy aclamado por otros, debido a su atípica música, pero ante todo ha sido valiente integrando instrumentos poco comunes entre las grandes orquestas. Es uno de los más conocidos de los compositores cinematográficos, gracias sobre todo a la música de los “spaghetti western“, pero también gracias a las bellas melodías de Días del cielo, La misión o Cinema Paradiso.

Henry Mancini (Cleveland, 16 de abril de 1924Beverly Hills, 14 de junio de 1994). Compositor estadounidense de música para cine, jazz, y de influencias latino.Será recordado por la música que acompaña a la Pantera Rosa (por la que ganó un Grammy) y por su colaboración en las comedias de Blake Edwards, en la que destaca la canción Moon River (de Desayuno con diamantes). Además fue el creador de los temas de varias series de televisión. Estuvo nominado al Óscar en 17 ocasiones, obteniéndolo en 4. También fue nominado en muchas ocasiones para los más importantes premios, habiendo ganado 20 Grammy y un Globo de Oro.

John Williams (Floral Park, Nueva York, 8 de febrero de 1932) es un compositor y director de orquesta estadounidense. Ha compuesto varias de las más famosas bandas sonoras de la historia del cine como: Tiburón, La Guerra de las Galaxias, E. T.: El extraterrestre, Superman, la saga de películas de Indiana Jones, Parque Jurásico, La lista de Schindler, Memorias de una geisha, Harry Potter, entre muchas otras. También ha realizado composiciones musicales para diversos Juegos Olímpicos, numerosas series de televisión y varias piezas de concierto. Williams ha recibido el Óscar de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood en cinco ocasiones y tiene en su poder 45 nominaciones. Es uno de los compositores más reconocidos de música de cine.

Elmer Bernstein (Nueva York, 4 de abril de 1922Ojai, California, 18 de agosto de 2004) fue un compositor estadounidense de música de cine. Estudió en la Academia Juilliard. Empezó a tocar el piano, pero tuvo que incorporarse al ejército durante la Segunda Guerra Mundial, donde compuso música para documentales y también estuvo en la banda militar de Glenn Miller. Sus composiciones cinematográficas alternan el estilo jazzístico y el sinfónico, siendo muchas de sus melodías muy recordadas, como Los siete magníficos, y también otras composiciones como El hombre de Alcatraz.Ganó un Premio Óscar por Millie, una chica moderna, de las 10 ocasiones en que fue candidato.Compuso también la música para la National Geographic

Alfred Newman (New Haven, Connecticut, Estados Unidos, 17 de marzo de 1901Los Ángeles, California, Estados Unidos, 17 de febrero de 1970), compositor estadounidense de música de cine, uno de los más importantes además de ser el autor de la característica sintonía de la 20th Century Fox. Recibió 45 nominaciones a los premios de la academia (un record que comparte con el también compositor John Williams) ganando el premio en 9 oportunidades; en 1940 fue nominado por 4 filmes al mismo premio. Comenzó a estudiar el piano con cinco años.

Miklós Rózsa (Budapest, Hungría, 18 de abril de 1907Los Ángeles, Estados Unidos, 27 de julio de 1995) fue un compositor de música cinematográfica, especializado en películas de corte histórico.Después de estudiar en su país obteniendo gran éxito en sus conciertos y composiciones, continúa sus estudios en el Conservatorio de Leipzig.El compositor Arthur Honegger, lo introduce en la música cinematográfica. Se traslada posteriormente a Londres para perfeccionar su arte y de allí, Alexander Korda, lo lleva a Hollywood para participar en la música de la película The Thief of Bagdad (1940). Permanecerá en California, aportando su
música a más de 100 películas. Fue nominado al Premio Óscar en 16 ocasiones, obteniéndolo en 3 ocasiones por Recuerda (1945), Doble vida (1947) y Ben-Hur (1959).


Información obtenida de:

http://www.upf.edu/pdi/dcom/xavierberenguer/recursos/fig_calc/_8_/estampas/1_7.htm

http://www.labutaca.net/reportaje/bandassonoras/

http://wikipedia.org

http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/cinesonoro.htm#Los_primeros_intentos_de_dar_sonido_al_cine_

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